TEMPO PERSO

T.S. Eliot escribió que «sólo a través del tiempo se conquista el tiempo».
Tempo Perso, configurado como una intervención en el espacio del Foro Buonaparte 68 de la Galería Tempesta, se configura precisamente como un intento de reconquistar el presente tras reconocer la existencia de un tiempo intemporal en la contemporaneidad, que, incapaz de salir de sí mismo, no puede dar cuenta del pasado.

La obra, concebida específicamente para el espacio de la galería, es una articulación de un «tiempo perdido», un tiempo que no se puede capitalizar, que es relacional y esencialmente histórico. Es un tiempo de ocio y contemplación, así como de reconsideración y reevaluación del pasado. Este tiempo, pleno, saturado, capaz de desplegarse y dar cuenta del palimpsesto de épocas, eventualidades y acontecimientos que alberga el espacio, aparece en la sala en forma de red. Esta estructura da forma a una instalación monumental que, diseñada con materiales ligeros, se opone formalmente a los rasgos que distinguen a los monumentos tradicionales. Éstos, a menudo construidos con materiales pesados y erigidos para conmemorar un acontecimiento excepcional, tienden a la concreción y a una fuerte presencia. La instalación, cuyos reflejos y sombras crean una atmósfera etérea, no guía la mirada del espectador ni traduce el recuerdo de un acontecimiento singular, por lo que resulta imposible crear una narrativa temporal lineal y resuelta. Además, el público también encuentra por el camino pedestales que, ahora vacíos, esperan albergar los iconos de un posible estado de cosas, que se intuye entre las capas temporales acumuladas en el espacio.
Así es como Tempo Perso transmite, al mismo tiempo, una desarticulación y una mirada hacia el futuro, instalándose en la latencia y generando las posibilidades para la gestación de un presente alternativo. De diciembre de 2023 a marzo de 2024.

Agradecimientos especiales a Sintesis Digital, 56fili, Pablo Herguedas, Rikyboy, Mace, Gaetano Pullano, recipient.cc y Alessandro Disingrini.

Crédito de la foto ©Roberto Conte y ©Giorgio benni Crédito del vídeo ©Matteo Berardone

TERROIR

Terroir aborda la historia de Boulogne-sur-mer, ciudad costera del norte de Francia que se ha convertido, en los últimos años y debido a su situación en el Canal de la Mancha, en puerto de llegada de inmigrantes que intentan llegar a Inglaterra o entrar en Europa.

El mural, que ocupa las fachadas de dos casas situadas a ambos lados de una de las calles del pueblo, plantea una reflexión sobre la condición esencialmente desplazada del inmigrante, del que abandona su propia tierra y sus raíces, arriesgándose a la fragmentación. Se hace hincapié en el cuerpo expuesto del inmigrante, que se ve amenazado no sólo por el peligro que supone embarcarse en una pequeña embarcación sino, sobre todo, por la vulnerabilidad que conlleva la pérdida de las referencias y la cultura propias.
La dislocación que reproduce uno de los murales, en el que una cabeza aparece separada del cuerpo, alude a la subjetividad desplazada de unos ojos migrantes que pretenden comprender su nueva realidad desde la perspectiva de su país natal.
Junto a él, un segundo mural muestra un torso atravesado por piedras, en referencia a las rocas que el gobierno francés ha colocado en las playas de la región, en una clara muestra de arquitectura hostil que pretende impedir que los inmigrantes pernocten, o incluso atraquen en las playas.

Con la asistencia de Pablo Herguedas.

Úter

Úter toma forma en una de las naves industriales del Konvent PuntZero, un antiguo convento de monjas de finales del siglo XIX convertido ahora en un centro de arte multidisciplinar.
En Úter, Borondo
La intervención se llevó a cabo en una de las fábricas textiles abandonadas que engloba el complejo, donde el artista rehabilita la antigua sala de teñido dentro de una de las naves abandonadas para convertirla en una catedral contemporánea que sacraliza el proceso artístico.

En el interior de la instalación se han instalado seis enormes vidrieras que inundan el espacio con una luz cálida que cambia con la luz del sol. Estableciendo un diálogo con la tradición gótica catalana y superando la convención de utilizar las vidrieras de forma pedagógica, éstas contribuirán a crear un entorno que actúa como líquido amniótico. Parcial, indefinido y potencialmente caótico, Úter es un espacio vivo que también está saturado de injertos gracias a las plantas que brotan en su interior y en su ágora.
Así, es a través de referencias tradicionales como la catedral, el ágora o el invernadero, que la obra propone una nueva ontología relacional, generando una atmósfera catalizadora de nuevas formas más creativas de existir y convivir. Un útero preñado, que permite cuidar la raíz de lo que aún no ha nacido, cuidar lo que alguna vez podría ser posible. Un refugio que, lejos de favorecer la huida o el inmovilismo, es una invitación al movimiento, facilitando así el diálogo y el encuentro con uno mismo, con el arte y con los demás siempre desde el cuidado. Frente al pasado mercantil y productivo del edificio, Borondo propone una arquitectura relacional concebida bien lejos del maquinismo. Realinear la vida con la vida.

Un agradecimiento especial a Konvent y a todas las personas que lo han hecho posible

Créditos de fotografía ©Ana Benet

Rejas

Rejas es el resultado de un taller que Gonzalo Borondo realizó a través del Festival de Intercambio de Arte y en el que involucró a jóvenes artistas de La Habana, Cuba.

La propuesta inicial, crear una instalación site-specific en el barrio de San Isidro, se conceptualiza a lo largo de varios días en los que Borondo comparte tiempo, conversaciones y paseos con los artistas, tratando de conocer la realidad política y social del país.
La instalación resultante consiste en una fina tela transpirable sobre la que se imprime el dibujo de una reja, en alusión a la fuerte presencia de rejas en la zona. Asimismo, esta estructura dibuja, al mismo tiempo, un límite y la posibilidad de transgresión, planteando una cuestión sobre el aislamiento y la exclusión que alude a la realidad de Cuba y a la tensa relación mantenida con Estados Unidos.
Así, el negativo del patrón se imprime en el suelo con pintura negra mediante un proceso colectivo. La tela, que tras ser utilizada como plantilla reproduce los contornos de una valla, se suspende en un cruce de calles. El sol puede verse a través de ella, y la sombra que proyecta en el suelo adquiere entonces características opuestas a las de una reja: el reflejo ondula con el viento, apareciendo como algo móvil y dinámico, que puede atravesarse. La obra propone también un retorno a la comunidad cuando hace las veces de toldo en una zona, La Habana, azotada a menudo por intensas olas de calor. Rejas genera entonces un espacio sombreado, dando a los habitantes del barrio un lugar donde descansar.

Créditos de foto y vídeo ©Nico Chiaravalloti

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SUBSTRATO

Con motivo del festival Fotografia Europea, el artista asume el lenguaje fotográfico en un desarrollo proyectual que recupera una dimensión instalativa.
El uso exclusivo de la fotografía en un proyecto es una anomalía en la investigación de Borondo; un reto formal y conceptual para alguien que concibe el arte más como experiencia que como objeto. Borondo insiste en el concepto de identidad recogiendo imágenes del archivo personal y colectivo interceptando el eco de la historia. Las obras impresas sobre materiales semitransparentes favorecen una permeabilización espacial y temporal de los planos, como un diorama capaz de restituir una volumetría, una profundidad histórica e identitaria.
Una forma de repensar y reconstruir la memoria, además de fomentar la mirada del artista y del espectador hacia un nuevo horizonte.
Texto de la exposición de Veronica Santi
del 29 de abril al 25 de junio de 2023

En colaboración con 56fili y Studio Luce.
Con la ayuda de Irene Zottola y Pietro Melchionda de Sintesis digital.

Especial agradecimiento a Veronica Santi, 56fili, Irene Zottola, Studio luce, Síntesis digital y Pietro Melchionda

Créditos de las fotgrafías ©Fabrizio Cicconi

SERIE GESTAZIONE
PPI & Partners en colaboración con SPAZIOC21
Fotografía ©Fabrizio Cicconi y ©Alessandro Bonori

GALLERY EXHIBITION

Estas obras, resultado de la inmersión en un profundo proceso videográfico, están realizadas con una nueva técnica desarrollada por el artista. Mediante la superposición de redes y el uso exclusivo del blanco y negro, Borondo crea bajorrelieves, ilusiones de volúmenes que generan narrativas, moviéndose entre la pintura y la escultura.
De febrero a marzo de 2023

Créditos de la fotografía ©Elena Andreato